07, Feb 2015

映像芸術祭『MOVING2015』参加作品
『HUMAN EMOTIONS/ヒューマン・エモーションズ』
山城大督インタビュー 前編(財団特別助成イベント連動企画)

2015年2月6日より、映像芸術祭"MOVING 2015"が始まった。 第2回目となる本プロジェクトでは、全国から映像を扱う新進のアーティスト約30組を招き、 京都芸術センター、 京都シネマ、METRO、アトリエ劇研など9会場で展覧会やイベントがおこなわれる。今回は、その期間中にARTZONEにて個展『HUMAN EMOTIONS/ヒューマン・エモーションズ』を開催する山城大督氏へのインタビューである。2013年末にアサヒ・アートスクエアで発表した《VIDERE DECK》を踏まえ、映像に対してどういった問題意識を持っているのか。また、本展ではどういった展開が用意されているのか。その核心に迫る。

聞き手:中原愛奈(京都造形芸術大学 アートプロデュース学科2回生/『HUMAN EMOTIONS』展アシスタント・キュレーター)、堤拓也(ARTZONEディレクター、『HUMAN EMOTIONS』展キュレーター)
構成:山下里加(京都造形芸術大学 アートプロデュース学科准教授/アート・ジャーナリスト)

僕らがまだ見たことにない「社会」が
生まれるかもしれない。

――山城大督さんは、美術家、映像ディレクター、そしてアートユニットNadegata Instant Party(※1)のメンバーとしての活動など、いろいろな活動を展開されています。今回のインタビューでは、美術家としての山城さんにお話をうかがおうと思っています。さっそくですが、ARTZONEでの個展『HUMAN EMOTIONS/ヒューマン・エモーションズ』のタイトルについて教えてください。 直訳すると「人間の感情/喜怒哀楽」です。今回の作品では、人間の様々な感情を扱ってみたいと思ったんです。僕が作品の中で設計する時間のなかで、怒り、悲しみ、喜び、哀れみといった人間の感情をつくり、映像化し、空間化してみようと思いました。

――聞いていると、ストーリーのある映画のようにも思えますが、映画とは違うものでしょうか? まず、撮影素材としての「出来事」を25分間つくります。それは演劇もしくはパフォーマンスと呼べるものかもしれない。登場人物は3人の子どもで、6~7歳の女の子、4~5歳と1歳の男の子を想定しています。今回の展示会場にもなるARTZONEの2階に展示空間と同じようにスタジオセットを配置し、ビデオカメラを数台入れていろんな画角から撮影します。撮影した映像は編集はせずに、展示空間に映像インスタレーションとして配置します。展覧会という場で、観客にひとつの時間を体験してほしいと考えています。

――山城さんの脚本にそって子どもたちが演技をするのですか? だいたいの構成のようなものは用意するつもりです。ただ、子どもたちは何が起こるかは知らない。例えば、女の子がバイオリンを弾いたり、そこにおとなのミュージシャンが入って一緒に演奏するかもしれない。おばあさんが子どもたちに読み聞かせしたり、3人でジェンガをしたり。指人形で何かを演じるようなシーンもあるかもしれない。そういういくつかのシチュエーションが脚本のようなもので、その空間と時間のなかで子どもたちはいろんな動きやいろんな感情をみせるでしょう。それを映像で記録していきます。

『HUMAN EMOTIONS』スケッチ

『HUMAN EMOTIONS』スケッチ

※1)中崎透、山城大督、野田智子の3名で構成されるアーティストユニット。2006年より活動を開始。地域コミュニティにコミットし、人々を巻き込み出来事を起こしてきた。出来事を起こす過程で人々の間にうまれる関係性を作品として、映像ドキュメントや演劇的手法、インスタレーションなどを組み合わせながら作品を展開している。


山城 大督 YAMASHIRO Daisuke
(美術家、映像ディレクター)
山城 大督 YAMASHIRO Daisuke

美術家・ドキュメント・コーディネーター。1983年大阪生まれ。岐阜県立国際情報科学芸術アカデミー(IAMAS)修了、京都造形芸術大学芸術学部卒業、山口情報芸術センター[YCAM]エデュケーターを経て、東京藝術大学映像研究科博士後期課程。映像の時間概念を空間やプロジェクトへ展開し、その場でしか体験できない《時間》を作品として制作する。2013 年には個人として1 年間に渡って映像表現を再考する「東京映像芸術実験室」を実施。本企画より誕生した作品『VIDERE DECK/イデア・デッキ』が第18 回文化庁メディア芸術祭アート部門審査委員会推薦作品に選出された。2007年よりアーティスト・コレクティブ「Nadegata Instant Party(中崎透+山城大督+野田智子)」を結成し、他者を介入させ出来事そのものを作品とするプロジェクトを全国各地で発表している。

映像芸術祭"MOVING 2105"公式サイト
http://www.moving-kyoto.jp

山城大督 公式サイト
http://the.yamashirostudio.jp

ARTZONE 公式サイト
http://artzone.jp


――2013年にアサヒ・アートスクエアで発表された作品《VIDERE DECK/イデア・デッキ》(※2)の延長線にあるものでしょうか? そうです。《VIDERE DECK》は、今回と同じ形式の、13分間の映像インスタレーションでした。タイトル「VIDERE」は、「VIDEO」の語源で「私は見る」という意味で、自分という自我に気づくことをテーマにしていました。自我が生まれ、今回の『HUMAN EMOTIONS』ではつながりが生まれる。

山城大督展《VIDERE DECK/イデア・デッキ》展示風景

山城大督展《VIDERE DECK/イデア・デッキ》展示風景

――前作では、人の声はしても、実際の人は登場しませんでした。 《VIDERE DECK》は、机やボール、グラスなど日常品だけど無機質なものを配置して、現実から遊離したファンタジーへ誘うことをねらっていました。今回のは、もっとドキュメンタリーに近い。何度も再生されている記録というか…。

山城大督展《VIDERE DECK/イデア・デッキ》プロモーション・ムービー

――SFみたいですね。同じ人生を繰り返していることにふと気づくというか。 そうですね……。

――とすると、劇的なことは起こらないようにも思います。起承転結のあるストーリーだと物語をみてしまう。時間が繰り返されることを示そうとすると、淡々とした映像になるような気がします。 退屈する時間はつくらないようにしています。むしろ“おもしろい”と思ってもらえる、鑑賞に耐えうる時間をつくらなくては、といつも思っています。時間芸術は、みる人の時間を奪うことになるので、その映像をみようという集中力が続くように設計はします。でないと、すぐに飽きて出ていっちゃうでしょう。

――あるコンセプトを伝えるというより、山城さんが提示する「時間」のかたまりを観客が体験することが大事なのでしょうか? 前作はSFでしたが、今回はドキュメンタリーの方が近い。Nadegata Instant Partyでは、コミュニティにアクセスして、コミュニティを変化させていくことをやっていたのですが、その手法を取り入れています。つまり、子どもというまだ社会をそんなに知らない人たちで社会をつくってもらう。1歳の子どもは、まだ映像と現実の区別もついていないでしょう。6歳の女の子はもう気づいているかもしれない。そうしたいろんな人たちが混じって過ごす時間に、僕らがまだ見たことにない「社会」が生まれるかもしれない。そこに生まれる感情を撮りたい。

――25分間ノーカットで撮るんですか? そうです。編集すると本当に大切なものが抜け落ちてしまうと思っています。グダグタになる時間があるかもしれないけれど、それも楽しめるようにいろんなシチュエーションを想定して、その場その場で対処していく。

――撮影はこれからですね。 ええ、でも、本当にできるかな~。

※2)《VIDERE DECK》は、六台のマルチ・チャンネル・モニター、風船・氷・シャボン玉・テーブル・コップ・鏡・ネオン、日用品や古道具などのオブジェクト、台詞・音楽を発する6台の音響スピーカー、空間を演出する数十台の照明機器が、コンピューター・プログラミングによってシンクロ制御・構成・再生された、13分間のタイムベースドメディア作品。「人がオーディオ・ビジュアルを認識し、他者と自我の関係性を認識してゆく過程」をモチーフとして、抽象的な物語が構成される。鑑賞者は、カーテンに囲まれたインスタレーション空間に入る事により、一本の映像作品を鑑賞するように、空間そのものを体験することができる。


物体を映像としてみる。
映像をオブジェクト(物体)としてみる。

――ARTZONEの1階では“オブジェクト”を展示するそうね。 1階は映像のオブジェクト化、彫刻化を考えています。「映像」って、モニターの中のコンテンツをみるものとされているでしょ、今は。でも、たとえば、木のテーブルを撮った映像の上に本物のスプーンを置いてみたら、どう見えるだろう。水が流れている映像に実際に水の入ったコップを置いたり、水を垂らすと、僕らはどう見るんだろう。映像編集にはモンタージュという、まったく関係のないシーンとシーンをつなげることで新しいイメージをつくる手法があるのですが、この作品では映像と映像でなく、映像と現実の物をつなぎあわせることで“映像の彫刻化”というある種の実験的をしてみたい。

――《VIDERE DECK》のテキストでは、山城さんは「映像は実存できるのか?」と書かれていました。映像の彫刻化もその実験なのですか? 《VIDERE DECK》は、空間のなかに実際の物としてあることと、映像として映されていることの境目をあいまいにしたかったんです。1階では、インスタレーションではなく、単体の「もの」として持ち運びできるような作品が出来ないか、と思っています。

――建物に映像を投影するプロジェクションマッピングの逆バージョンみたいだなと思いました。 確かに!物質と映像に近づけるって意味では、確かにそうですね。プロジェクションマッピングが物質の映像化とすれば、ARTZONE1階での展示は映像の実在化を考えてます。2階のインスタレーションとは別の方向への興味ですね。そこに興味を持ったのは、最近、陶芸がすごく好きになったことがきっかけです。昔は伝統的なものって、古くさくて大嫌いだったんですが、最近は陶器が映像に見えるようになってきたんです。

――陶器が映像、ですか? ちょっとオカシイですよね(笑)。陶芸にはある種の「時間」が記録されているんですよ。焼き上がった陶器をみると、手で触っていた時間がずーっとたどれる。まわしながらみていると同じところにもどって、また始まる。裏をみたらB面になって、なかをみたらC面になって…とずっと見ていられる再生装置みたいなんです。しかも再生するのに電気もいらない。陶芸には、そうした映画のフィルムのような機能があるのだ、と気づいたんです。

山城大督自作の陶器
山城大督自作の陶器

山城大督自作の陶器


――職人の手作りの陶器だとそういう感じになるような気がします。 そう考えると、陶器ってある塊の時間が一瞬で定着したものだともいえる。土がこねられて茶碗になって、そこに釉薬がかかって、炎があたってガラス質になって…という長い時間が形になって、今ここにある。写真はシャッターが下りる一瞬の時間が残ったものだけど、長い時間を残すのに陶器という方法もあるのだ、と気づいたんです。とすれば、陶器のように映像も存在できるのでは? と思ったんですよ。たとえば、テレビにシールとか貼ったことないでしょ?

――ないですね。 テレビにペンで落書きすることもない。基本的に映像機器は表面がすごく大事にされていて、触ったらダメ、シールを貼ったり、加工したらダメだと思い込んでいる。その思い込みを考え直していいんじゃないか、と。ナム・ジュン・パイク(※3)はブラウン管テレビの時代からそれをやっていたけど。

――モニターという映像機能を持った物体を彫刻化することはできると思いますが、映像の大きな要素である時間が彫刻になるというのは? そこが難しいですね。彫刻は時間芸術ではないと思っていて、映像のオブジェクト化はそこが大きく違ってくるでしょうね。

――山城さんの創作には、映像そのものへの興味・関心と、人や社会への興味・関心といった2つの軸があるのかなと思いました。今回のARTZONEの展示では、その双方を見ることができるんですね。それがどうつながっていくのか、関係していくのかが気になります。 僕はどっちも持っていたい。自分自身をわかりやすく伝えるセルフ・プロデュースも必要だし、僕自身はプロデュースを得意とする人間ですが、今は多少わかりにくくてもその2つの興味を大事にしていきたい。

※3)韓国系アメリカ人の現代美術家。ビデオを中心とした芸術、ビデオアートの開拓者であり、その代表的な存在である。ビデオアートの父とも呼ばれる。


アーティストとして学び続ける

ARTZONEでの打ち合わせ風景。左:山城大督、右:中原愛奈

ARTZONEでの打ち合わせ風景。左:山城大督、右:中原愛奈

――ARTZONEは山城さんが卒業した京都造形芸術大学のアートプロデュース学科が運営するギャラリーです。私もARTZONEの学生スタッフなのですが、山城さんも学生時代はスタッフとしてARTZONEで活動されていたそうですね。ひさしぶりに、しかもアーティストとしてこの場所に帰ってこられてどうですか? 展覧会には難しい場所ですね。まず、町から近すぎるんです。河原町三条という繁華街のなかにあるので、ギャラリーに入る直前までいろんな情報にさらされていて、ちょっと注意力が散漫になっている状態で来る人が多いと思います。それに、元々は商業施設だったので周りに対して開かれすぎているんですね。いったん入口をはいっても2階へあがる螺旋階段からレストランの食事風景が見えたりする。構造の問題じゃなくて、作品に至るまでのアクセスを設計してくのが難しいんです。
というのも、今回の僕の作品は、その世界に没入しないと“見えない”作品なんですね。街を歩いてきたお客さんの時間、人生をいったん棚上げにして、「作品をみる」という時間に入ってもらう必要がある。なので、今回は、エレベーターを使って2階に上がり、さらに薄暗い空間を通ってから、本来の展示空間に入るように設定しています。おそらく4回ぐらい扉をくぐることになるんですが、それが作品を体験するための準備になる。ここはかなり慎重に考えました。

――私たちスタッフにとっては、その導線に至るまでの道筋をどうお客さんに伝えていくかが課題ですね。ところで、アートプロデュース学科以外にも、山城さんは、たくさんの大学、研究所に通っていました。インターメディウム研究所IMI大学院講座(※4)MOコース、岐阜県立国際情報科学芸術アカデミー[IAMAS](※5)DSPコース、京都造形芸術大学アートプロデュース学科(※6)、情報科学芸術大学(IAMAS)スタジオ2、東京芸術大学大学院映像研究科(※7)博士後期課程…。何を学びたくて、通っていられたんですか? 我ながら、いくついくんだとツッコミたくなりますね。そうだね。よく「映像をどこで勉強しましたか?」と聞かれるのですが、それが難しい。岐阜のIAMASはプログラミングなどの技術を勉強するところだったので、映像そのものを学んだわけじゃないんですよ。自分が表現について考えたり、勉強し始めたのは、高校の頃から。僕は美術系の高校で映像デザイン学科というところにいたんです。中学生の頃って、友だちと将来の夢というか、高校はどこにするかという話をするでしょう。その時に、「僕は映画が好きだ」と思い込んでしまったんですよ。なぜか。それで、映像が勉強できる学校に進学したんですね。だけど、高校に入ると映画より面白いものがどんどんでてきて…。

※4)IMI(Inter-Medium Institute)は、映像・音楽・デザイン・Web・現代美術を学べる/グローバル映像大学。(Inter-Medium)(内なる表現力)、それを形(メディア)にするための総合力を、誰もが1年で学べる学校(Institute)。として開学。

※5)「Institute of Advanced Media Arts and Sciences」の英語の略称をとってIAMAS。先端的技術と芸術的創造との融合を理念に掲げ、新しい文化を発信する教育機関、情報社会の中での新しい表現者の養成拠点として開学する。

※6)京都造形芸術大学 芸術表現・アートプロデュース学科(現アートプロデュース学科、通称ASP学科)は、「アートと社会を結ぶ」プロフェッショナルを育てることを目標とする。

※7)従来の芸術諸分野を横断・統合し、映像に関する創造の現場という観点から新しいテーマに取り組み、国際的に活躍することのできる専門家を養成することを目的とする大学院。


――どういうものですか? 音楽なんだけど、僕らが高校生の頃、90年代後半はクラブカルチャーが盛んだったんですね。クラブに出入りしているうちに、その頃流行っていた電子音楽系のダンスミュージックも好きになっていて。そこからミニマルテクノに入って、現代音楽、スティーブ・ライヒ(※8)、ジョン・ケージ(※9)という感じで現代美術に近づいていくわけなんです。そこで出会ったのがフルクサス(※10)というグループ。ビデオ・アーティストのナム・ジュン・パイクもいて、そこでいきなり「映像」というメディアに出会った。ストーリーを楽しむ映画ではなく、映像をつかった表現、それが現代美術というジャンルに入るらしいということに気づいたんです。

――高校を卒業して、いきなりIMIなんですね。IMIは、当時は大学院講座を掲げていて、大学を卒業した人が行くところだと思っていました。 実は美術大学に進学するつもりだったんですが、高校生のときにデッサンなどの受験対策をまったくしていなかったんで、全部落ちたんですね。まあ、その頃は自分には絶対に才能があると思い込んでいる勘違い青少年だったんで、そう深くは考えていなかった。でも、高校を卒業して4月に引越し屋の短期バイトをしていると、自分と同い年の新大学生が下宿するための荷物を運んだりしたりして、なんかすごく切ない気持ちになりましたね(笑)。そこでIMIを知って、新しいメディアを使った表現や手法が学べると知り1年間通いました。

――周りは大学を卒業した人たちがほとんどですよね。 まだ何もできないのに知識だけはあるつもりの自意識過剰な青少年だったので、周りの大人たちにはかわいがってもらったと思います。港千尋さんや椿昇さん、ヤノベケンジさん、畠山直哉さん有馬寿純さんなどアート界ですでに活躍されている方が先生でいた。そこでコンピュータを触り始めて、芸術と科学を結び合わせることに関心がでてきて、岐阜県立国際情報科学芸術アカデミー[IAMAS]に行ったんです。そこから大学や研究所を転々としているのは、なんかやってもやっても満足しきれなかったんですね。

――それは何に満足しなかったんでしょう? 難しいですね。実は技術はもう学校には求めていなかった。というのも、IAMASには、同期に真鍋大度(※11)くんなど、ものすごい技術をすでに持っている人もいて、この人にはかなわないなと思ったんです。僕が今から技術を学んでも絶対に追いつけない。じゃあ、どうするか。技術的な意味でも、表現の方法にしても、自分が持っているものが全然ない。制作したり、勉強できる環境にいないといけないという、切迫した想いはありました。IAMASのあとに京都造形芸術大学の芸術表現・アートプロデュース(ASP)学科に編入したのも、作品づくりの技術は独学でできるだろうから、アート・ワールドの仕組みや、アートが成立すること自体を知りたかったから。僕自身は、アーティストになるための手段としてのプロデュースを学びたかったんです。今、振り返ると、自分としては戦略的にいろんな環境に入っているのかも。

《The alarm rings every hour.》(2006)

《The alarm rings every hour.》(2006)(※12

――聞いていると、山城さんにとっては、大学や研究所は自分で自分を育てるための環境だったようにも思います。ところで、アーティストは学校でつくられるものでしょうか? ちょっと唐突な質問になりますが、「アーティストになる」「アーティストとして成長する」とはどういうことでしょうか? 山城さん自身の経験でそういう意識を持ったことがあったら教えてください。 すごい質問ですね。うーん、ちょっと考えていい?

※8)ドイツ出身のミニマル・ミュージックを代表する作曲家。ミニマル・ミュージックの先駆者であり、ニューヨーカー誌では、「現代における最も独創的な音楽思想家」を評された。また、テクノミュージックやエレクトロニカのアーティストにも大きな影響を与えた。

※9)アメリカ出身の音楽家、作曲家、詩人、思想家、キノコ研究家、実験音楽家。音楽実験家として、前衛芸術全体に影響を与えている。独特の音楽論や表現によって音楽の定義の幅を広げた。

※10)1960年代前半にリトアニア系アメリカ人のジョーン・マチューナスが主導し、世界的な展開をみせた芸術運動、またはグループを指す。

※11)株式会社ライゾマティクス取締役。Perfumeのインタラクティブ演出などを手掛けるメディアアーティストとして知られる。エンジニアリングを出自としながらも、テクノロジーを駆使するアート作品を数多く世に送り出している。

※12)京都造形芸術大学在学中に発表した作品。毎日左手につけている腕時計を、1時間に一度のアラームが鳴るように設定し、同じくアラームを設定した1台の腕時計を、NEW YORKのギャラリーへ設置した。地球上の離れた場所で同時に鳴っているアラーム音を聞くたびに、腕時計はイメージのシンクロをするための装置となる。レディメイドによる、イメージの移動のための作品。


山城大督個展『HUMAN EMOTIONS/ヒューマン・エモーションズ』 

山城大督個展
『HUMAN EMOTIONS/ヒューマン・エモーションズ』 

会  期 2015年2月6日(金)–2月22日(日)
会  場 ARTZONE
キュレーター 堤 拓也(ARTZONEディレクター)
主  催 MOVING実行委員会
助  成 一般財団法人ニッシャ印刷文化振興財団、公益財団法人 花王芸術・科学財団、公益財団法人 三菱UFJ信託地域文化財団
協  賛 株式会社 資生堂、Q-Games Ltd.、HOTEL ANTEROOM KYOTO
協  力 京都造形芸術大学 映画学科、同アートプロデュース学科
後  援 京都市
WEBサイト http://artzone.jp/
関連イベント:EVENT1=ギャラリー・ツアー

作家参加のギャラリー・ツアーを行います。ARTZONEから出発し、MOVINGの各会場を回ります。

参加作家 山城大督、前谷康太郎、 田中英行、林勇気、宮永亮
日  時 2015年2月14日(土) 13:00~
集合場所 ARTZONE
参加費 無料
詳  細 http://www.moving-kyoto.jp/program/
関連イベント:EVENT3=MOVING Theatre1
あごうさとし×山城大督 新作演劇公演『劇場-THE BLACK BOX』
作・演出・出演 あごうさとし
映  像 山城大督
日  時 2015年2月18日(水)、19日(木)、20日(金) 開演19:30
会  場 アトリエ劇研、京都シネマ(同時上映)
料  金 2会場券/2,000円
アトリエ劇研会場/前売1,500円 当日2,000円
京都シネマ会場/前売800円 当日1,000円
詳  細 http://www.moving-kyoto.jp/program/#sec04

映像芸術祭 "MOVING 2015"とは

“MOVING 2015”は京都で開催される映像芸術祭です。
会期中は新進のアーティスト約30組を招き、京都芸術センター、京都シネマ、METROなど約9会場で、「映像の展覧会」「映画館での上映」「映像を利用した舞台公演」「映像と音によるライブ」「映像に関するトーク」を行います。

会  期 2015年2月6日(金)~2015年2月22日(日)
会  場 京都芸術センター、京都シネマ、METRO、アトリエ劇研、ARTZONE、他
参加作家 青葉市子、あごうさとし、足田メロウ、Ametsub、Yro[from France]、生駒祐子[mama!milk]+阿部海太郎+清水恒輔[mama!milk]+巽勇太、intext、浦崎力、毛原大樹、五島一浩、坂西未郁、TAKCOM、田中英行、林勇気、前谷康太郎、Madegg、水野勝規、宮永亮、村川拓也、八木良太、山城大督、米子匡司[SJQ] 他
お問い合わせ info@moving-kyoto.jp
詳  細 http://www.moving-kyoto.jp/

映像芸術祭『MOVING2015』参加作品
『HUMAN EMOTIONS/ヒューマン・エモーションズ』
山城大督インタビュー 前編(財団特別助成イベント連動企画)

Category: Digital Imaging





PAGE TOP