21, Feb 2011

展覧会ドラフト2011
「TRANS COMPLEX − 情報技術時代の絵画」展

展覧会に求められているものは何か、それを問う試みとして始動した「展覧会ドラフト2011」(主催:京都芸術センター)は、アートの公募の中でも"企画"に焦点を当てたユニークなものである。100件の応募の中から公開プレゼンテーションを経て入選したのが、村山悟郎の「TRANS COMPLEX-情報技術時代の絵画」展である。

京都芸術センターにおいて、2月5日(土)より「TRANS COMPLEX − 情報技術時代の絵画」展が開催されている(2月27日(日)まで)。出品作家は二名、村山悟郎と彦坂敏昭である。村山は東京で、彦坂は京都で、学びアーティストとしての活動を開始した。だが彼らにはいくつかの共通点がある。
一つは共に1983年生まれの同い年であること。つまり、場所は離れているものの、この日本という国で同じ時代の空気を吸って成長し、美術を含めた様々な環境で似通ったアンテナを張り巡らしてきたということ。インタヴューの中で語られているが、とりわけ複雑系や人工生命といった最新の科学理論、個別事象よりも要素間の関係性を基盤とする科学理論に強く共鳴し、自らの制作方法に結びつけていることである。

もう一つは、二人が「画家」であることだ。だが、「画家」という言葉には若干の留保が必要かもしれない。なぜなら、彼らは自身を「画家」と呼ぶことに幾ばくかの戸惑いあるいは疑問を抱いているように感じられるからである。
彦坂は自分の作品を「絵画的なもの」と呼ぶし、村山は「環境を作り描く行為の反復」と言う。それは、今日において「絵画」を成立させることの困難さを彼らが自覚しているからに他ならない。

思えば、絵画平面の限界に直面したドナルド・ジャドが「物体」に可能性の残滓を見出してからすでに半世紀、絵画はアーティストが「描きたいものを描く」フィールドではなくなってしまった。それでもなお「絵画」を目指す者たちは、面としての支持体とその上で展開する絵具によって構成されるイリュージョン空間に、物語や政治やサブ・カルチャーや既製品を再導入し、あるいはそれらの条件を解体して「絵画」の在り方を問い直し続けなければならない。
「なぜ絵画なのか?」「絵画はいかにして生成するか?」このような問いに対して、「画家」としての村山と彦坂は共通した方法論でもってアプローチしている。それは、制作実践において、時間や環境(村山はベイトソンを援用しながら、環境内存在が知覚できない領域のことを環境と呼んでいる)を意識し、制作のプロセスに複数のルールやシステムを仮構して、そのシステム内の変数として自らを介入させながら「絵画」を生成させようとするものである。

具体的にどのようなプロセスを経て作品ができあがってくるかについては、インタヴューをお読みいただきたいと思うが、二人に共通しているのは「ルール」や「システム」を介在させているということであり、同じ「ルール」や「システム」を用いているということではない。結果として形になる作品も全く異なったものである。
だが、単に絵具の置き方にとどまらず、絵画フィールドやイメージ・ソースの解体・再構築から出発する彼らの制作システムは、ある環境内での自己の立ち居振る舞いが「ルール」や「システム」に介入し、作品を随時決定していくという点において、「絵画」の可能性についての今日的な回答の一つとなっているであろう。

さて、二人の作品についてだけではなく、展覧会についても触れておかなければならない。この展覧会は「展覧会ドラフト2011」と冠がつけられていることからもわかるように、公募によって実現された展覧会である。
京都芸術センターはこれまで、美術以外の領域で活躍する人々を審査員として展覧会企画を公募する事業を行ってきた。それに対して、昨年より「キュレーション」を主眼とした企画を募集する事業としてこの「展覧会ドラフト」がスタートしたのである。

筆者も東京都現代美術館チーフキュレーターの長谷川祐子氏とともに審査員として参加し、100通に及ぶ書類審査を行い、最終審査に選ばれた5組(6名)による公開プレゼンテーションを経て、今回の展覧会を最優秀企画として選定した。
それゆえ、選定の基準は、展示作品の質もさることながら、キュレーションの面白さや意義、鑑賞者にとって魅力ある展覧会として練られているか否か、ということであった。つまり、村山+彦坂は出品作家であると同時に、この展覧会のキュレーターでありプレゼンターでもあるのだ。その意味で二人は、この展覧会を実現させるにあたって、二重の視点を自分自身と自らの作品に対して持たなければならなくなったというわけである。それは作家としての自己あるいは自己が造形的に投影されている作品を客体視することになる。

作品を制作することと、作品間に一定のオーダーを与え空間を統御すること、いいかえれば、作品そのものと展示構成という二重化された表現メディアをいかに連動させるか、がこの展覧会では問われてもいるのだ。
実際、最新の科学理論と展示作品との具体的な結びつきについてのプレゼンテーションなど、キュレーター目線で「展覧会」として見た場合にまだまだ不十分に感じられる点はあるものの、展示構成の工夫や、制作背景を共有してもらうための関連イベントなど、展覧会というメディアに対しての積極的な取り組みも見受けられる。

今回の展覧会の実現は、京都芸術センターのみならずキュレーターを目指す者たちにとって意義深いものであり、またキュレーションあるいはキュレーターという役割の意義や可能性を考えていくうえでも重要である。なにより、キュレーターとして企画に挑んだ若い二人のアーティストにとって、今回の企画が、「芸術」を取り巻く環境への問題意識としてフィードバックされ、今後の実践で実を結ぶことを願ってやまない。
(平芳 幸浩 京都工芸繊維大学美術工芸資料館 准教授)

  • Profile

平芳 幸浩 Yukihiro Hirayoshi
平芳 幸浩 Yukihiro Hirayoshi

1967年生まれ。京都工芸繊維大学美術工芸資料館准教授。京都大学文学研究科博士後期課程修了。専門は近現代美術。2000年より国立国際美術館にて学芸員。主な企画展覧会として「マルセル・デュシャンと20世紀美術」「ヤノベケンジ -MEGALOMANIA-」「小川信治 -干渉する世界-」「現代美術の皮膚」など。2008年より現職。


村山悟郎+彦坂敏昭インタビュー

聞き手:平芳 幸浩(京都工芸繊維大学美術工芸資料館 准教授)

「TRANS COMPLEX − 情報技術時代の絵画」展 ギャラリー北(村山悟郎) 展示風景

「TRANS COMPLEX − 情報技術時代の絵画」展 ギャラリー北 村山悟郎展示風景(photo:大島拓也)

「TRANS COMPLEX − 情報技術時代の絵画」展 ギャラリー南(彦坂敏昭) 展示風景

「TRANS COMPLEX − 情報技術時代の絵画」展 ギャラリー南 彦坂敏昭展示風景(photo:大島拓也)

――まず最初に、お二人の作品についてお聞きしたいと思います。お二人とも作品の制作にあたっては独自の方法論をお持ちですが、作品の制作方法や制作時に強く意識されていることについてお話いただけますか? (彦坂)
最初に、絵画についての分からなさというものが純粋にあって、それに対してどう向き合うのかというところから始まります。どうやって絵画が生成される「或る一線」を越えていくのかという問いに答えるような形で、自らでルールを設定し、自らの行為を規定していくことでそれを乗り越えようと画策しています。そのルールに自分自身がどのように寄り添うのか。また、そのルールを自ら変更するなど。さまざまに存在させたルール間の相互作用を引き起こし、「システム未満のシステム」を作り出します。そして延々と介入・介助をし続けることでシステムを動かし続けていきます。
実制作上では、例えば今回の展示の場合、写真画像などが出発点になっていて、それを自らがPC状で加工していきます。写真が持っている情報をそぎ落としていくことで、スカスカな塗り絵を作って、そこに対して自分でルールを設定し、どういう風に選んで、どういう風になぞって、どういう風に忘れたり、どういう風に終わらせるか、というようなことを延々と繰り返し、画面の中で微調整をします。写真は、自分が撮ったものもあれば他の人が撮ったものや、WEB上に転がってるものを使う場合もあります。
使う写真はなるべく「選ばない」ようにしています。ネットで検索する時みたいにキーワード検索的な行為は行いますが。
(村山)
美大に入った頃は普通にペインティングを描いていたんです。ですが、今はそこから発展して別の形になっています。
紐を編んでキャンバスを作り、そこにドローイングを施していくんです。それらをひたすら繰り返す、そういうプロセスを作品にしています。絵を描く領域というか、場みたいなものを作ってやって、そこに描いてゆく。それを受けてまた新たに領域を作って、また描いて…、ということを繰り返していきます。制作プロセスは基本的にはそういうサイクルです。
時間発展の中で、「人間の振る舞いとはどのようなプロセスか?」ということ考えていきたいと思っています。それを、"描く"という行為の中で実践するのは面白いだろうという期待がありましたし、普遍的な問題意識としてみんなと共有できるんじゃないかと。何かを"する"という行為と、そのための場を作ること、それらを相互作用させながら制作するというのが、人間の行動にも原理的にあると考えています。

――ルールやシステムを設定して環境的な部分から作品を制作されているわけですが、制作のスタート時に完成イメージというものはあるのでしょうか? (彦坂)
写真を選ぶ段階で、最終的な作品の漠然としたイメージはありますが、ただそれは乗り越えるべきものとして心にとどめています。
そのイメージに近づくようにプログラムを走らせるのではなくて、1つの行為が終わった瞬間に、画面全体からある戸惑いを感じれるようにその都度判断を下して進めています。 積極的にルールを運用することと、それぞれのルール間の関係に介入することで、常に戸惑いの中に居て、最終結果でその画像を乗り越えていくという感じです。
僕の場合、システムはそれ自体が目的を持ったものではなく、目的と切り離したところで各ルール、ルール間の関係性を調整していくので、すごく自由度が高いんです。その自由度が高い中で、どうコントロールするが問われている。あらかじめ自分が持っていた範囲を超えていく上で最終的な完成図よりも、どのように問題設定をして、何によって判断を下すのかというそれらの意識の幅の在り方が重要だと考えています。
(村山)
この作品の当初のコンセプトは、"編む"と"描く"が局所的に相互作用して、だんだん全体ができあがってくるというものでした。だから全体像というのは無いと思っていたんです。けれど、実践してやっていると、どうやらそうでもないらしいと思い始めてきました。
例えば、京都芸術センターに向かって歩くという行動を考えてみます。まず、街のレイアウトの中で自分がいる地点と、そこから芸術センターに向かうイメージを立ち上げます。それに合わせて自分を方向づけして歩いてゆく。その時に大事だと考えているのは、「10分後に自分はあの辺にいるだろう」といった未来に対する予期を持っていることです。ただ、10分進んでみると、当初のイメージと違うところに来てしまうことがときどきある。イメージと現実には常にズレがありますから。そこで再度、現在地から芸術センターがどの方向にあるかというイメージを描き直します。そんな具合に、時間とともに変化する状況に合わせて「未来がどうなっているか」という予期をその都度に作り直していく。こういうことを繰り返しているんじゃないかと思うようになってきました。
制作でも、最初にイメージを持って作り始めて、途中まで来て、当初のイメージとは変わっていることに気づくことが頻繁にあります。その状況の中で、改めて一ヶ月後のイメージを持つ、そういう時間との関わり方をしているんじゃないかなと。そうじゃないと僕の作品はあのようにまとまってこないと思うんです。もちろん経験の蓄積によるところもあるんでしょうけど、状況は常に複雑ですから。そのイメージの立て方というか、 未来をどう予期するかということと作品の総体は不可分なんじゃないかなと思っています。

――現代の画家は、ただ描きたいものを描いていればいいというわけにはいかない、という思いを多かれ少なかれ心に抱きながら絵画に向かっています。それはお二人にも共通する点かと思いますが、具体的に画家として影響を受けたあるいは共鳴を覚えるアーティストはいますか? (彦坂)
中国からの山水画の流れや狩野派の仕事なんかにすごくシンパシーを感じています。絵画を作ることが技術であるということがわかりやすくに現れていて、まさに僕もそういうことがしたいと思っているので。つまり、決まり事の中でどういう風に振る舞うのか、その振る舞いは自分がもっている意識の幅で決定されると考えています。山水画を見ていて、その画面全体からの細部に至るまでの辻褄の合わせ方は凄まじいものがあります。
西洋の遠近法の在り方で見ていくとわかりやすいのですが、絵画空間の解像度を決定するそれぞれの問題意識(変数)があって、意識を拡張していくことで設定する問題数を増やし、それら諸意識の関係の中で微調整を行い、空間の辻褄を合わせていきます。こういう方法論に強く影響を受けていますし、またそれらを複雑系科学の中で扱われる創発という現象に影響を受けながら考えているといった感じです。
(村山)
普通のペインティングをやっていた頃からたどって、いろんな作家を参照して「今こうなった」ということは言えますが、誰か決定的にこのアーティストというのは難しいですね。
2004年に川村記念美術館で開催されたロバート・ライマンの展覧会を見たり、武蔵美出身なのでモダニズム系の絵画にもちろん影響を受けたし、脱構築というかペインティングが解体されるような作品にもすごく影響は受けています。
絵画史的に言うと、戦後から1980年代以前ぐらいの作品が好きです。それに「絵画」をどうにかするという問題意識は1980年代までにはできあがっていますよね。ただその問題にどうアプローチしてやるか、という方法についてはまた別の文脈で。それは今回の展覧会のテーマになっている新しいサイエンスから来ています。何らかの形で絵画を再構成しようという問題意識は絵画史から影響を受けて、その構成の仕方というのは、行動や関係を科学するような新しいサイエンスから影響を受けています。例えばウルフラムの一次元セルオートマトンの分類などからはダイレクトに示唆を受けました。その絵画史とサイエンスの二段組みという感じですね。


村山悟郎 MURAYAMA Goro
村山悟郎 MURAYAMA Goro

1983年東京生まれ。
2010年東京芸術大学大学院美術研究科絵画科壁画第一研究室 所属。
2010-11年Chelsea College of the Arts and Designs MA fine art course(交換留学)。
主な展覧会に「shiseido art egg 村山悟郎」/ 資生堂ギャラリー(2010)、「MOT コレクション- MOT で見る夢」/東京都現代美術館(2009)などがある。
photo:大島拓也

GORO MURAYAMA WORKS
http://goromurayama.com


彦坂敏昭 HICOSAKA Toshiaki
彦坂敏昭 HICOSAKA Toshiaki

1983年愛知県生まれ。
2005年京都造形芸術大学情報デザイン学科卒業。
主な展覧会に「ARKO 2009」 / 大原美術館、「shiseido art egg 彦坂敏昭」 / 資生堂ギャラリー(2008)、「MOT アニュアル2008 解きほぐすとき」 / 東京都現代美術館などがある。
2009-10年にはポロック・クライズナー財団(NY)より制作支援を受ける。
photo:大島拓也

HICOSAKA Toshiaki Web-site
彦坂敏昭ウェブサイト
http://www.tohico.com/


――さて、ここからは展覧会についてお話をお伺いしたいと思います。今回、キュレーションの公募に応募されて展覧会が実現したわけですが、応募のきっかけはどういったものだったのでしょう? (村山)
巡り合わせというか、この企画に応募しようという決断をするためのいろいろなピースが合致したんです。応募するにあたって考えたいと思っていたことは、 アーティストとキュレーターの関係はもっと面白くなるんじゃないかということです。キュレーターともっと話さないといけないと思ったし、キュレーターの目線と、アーティストの目線の両方を、知らなければいけないなと思ったことが大きい。
僕の作品の場合、編むというシステムと描くというシステムがどう競合していくか、それらがカップリングして三つ目の価値がいかに生まれるか、それが大きなテーマになっています。そう考えた時に、キュレーターとアーティストをかみ合わせるというのは、それ自体がアートになるんじゃないかと思っています。キュレーターとアーティストの関わり方の面白さで展覧会が作れるんじゃないか、ということに興味があって応募したんです。

――二人の出会いも巡り合わせ? (村山)
二人が知り合ったのは、ちょうどこの企画の募集があった頃です。京都芸術センターは展示室が北と南の二つあって、そのうちの一つは僕がやりたいなと思っていて、もう一つを彦坂君どう?、みたいな。

――じゃあ、つきあいは長いわけじゃない? (彦坂)
知り合ってすぐロンドン行っちゃうし(笑)。往復書簡でやりとりしたのと、あとは企画の立ち上げの時に話をした程度。
(村山)
友達過ぎず、みたいな距離感も結構大事かなーというのもあって。まぁ、別に友達でもいいとは思うんだけど(笑)。

――村山さんは企画の審査を通ってからロンドンに留学されています。展覧会実現までの期間にロンドンに行ったことで、何か変わりましたか? (村山)
ロンドンに行ったことによって変化はありました。まず制作者として思ったのは、どこに行っても、どういう環境でも制作できるようにしようと。もちろん極限状態になると死んじゃうんだけど、ロンドンに行ったぐらいでこの作品が作れなくなったら、それはやっぱりシステムとして問題がある。ただロンドンへ行くと実際の状況もかなり違うので、東京という都市にかなり依存していたということに気づきました。自分が今まで東京という恵まれたプロダクトホームにずっといて、今まで意識では透明になっていた部分です。
それと僕は東京の美大とロンドンの美大と両方に通うことになったので、ロンドンと東京でアートにたいする考え方がかなり違うということも強く感じました。ロンドンではアーティストが自分の作品をどうコンテクスチャライズするかが強く問われます。日本では主にその役割をキュレーターが展覧会において担っていますよね。そこと絡めて言うと、見てくれる人たちに僕は展覧会企画者として自分の考えやコンテクストを伝えるということを考えないといけない。ロンドンで学んでいる経験はその点にかなり生かされました。

――企画者として見せるという点では、展示室をどう使うかということも重要なポイントだと思いますが、今回は二つの展示室で個別に展示するというスタイルをとっています。 (村山)
個人的な感覚ですけど、僕の作品は他の人の作品と同じ空間にあるとすごく相性が悪いような。同じ展示室でやるなら、今回とは違う作品を展示することになるのかな。
(彦坂)
作品と作品の関係性というよりも、展示されることと提示されることの関係性をはじめから意識していた部分もあったので。
(村山)
僕らは複雑系や人工生命などの最新の科学に影響を受けていると言っていますが、彦坂君と僕はそれまで全く異なる文脈でやってきて、同い年だけど別のところでそういう影響を受けていて、同時多発的に作品が出てきたわけです。だからそれぞれ独立して展示しても、今の日本の社会状況の中で出てきた表現として対比されうると考えたんです。

村山悟郎+彦坂敏昭インタビュー風景
村山悟郎+彦坂敏昭インタビュー風景
村山悟郎+彦坂敏昭インタビュー風景

――実際の展示にあたって、作品と空間の関係性についてはどのように意識されましたか? (村山)
先ほどまでの話と関係してきますが、作品をどう展示するかというコンセプトと、作品がどう生成するかということ、そして出来上がった作品をこの空間でどう展示するかというアクチュアルな現場の判断、それらが絡み合っているという状態ですね。空間と作品の関係を考えるというのが、単純にコンポジションの問題だとするならば、それは大した問題じゃない。
作品の形態自体がけっこう融通が利かないこともあって、空間にたいして作品が"響く"とか"響かない"とかそういうことには興味がありません。この作品は大学のスタジオで作って、それが閉まると家に持って帰って作って、という具合にどこの場所でも制作が可能なものです。そういう意味では空間や環境にたいして、作品は閉じているシステムを持っていると思います。鑑賞者が空間の中をどう動くか、どの位置からどう見えるか、というような作品と鑑賞者との関係性を作品化しようとするのであれば、綿密な計画が必要かもしれません。ですが、今の作品では、"見ること"を作るというより、"作ること"を見せるという作品なので、展示と鑑賞者にはそういう距離感があります。
(彦坂)
文字通り経緯がリニアじゃなくて、マルチに絡み合っている感じです。僕の場合、意識の立て方や問題の立て方がポイントで、問題を出来る限り多く立てることで自分の意識を拡張していってさらに問題を設定していく、それに対してその都度繰り返し答えて、何本もある針の穴を通すような感じで、最終的なコンポジションも決まるし、展示の構造も決まってくるんです。

――ギャラリー南の彦坂さんの展示は、部屋の半分が作品のない空間になっています。かなり大胆な展示構成だと感じました。 (彦坂)
今回、僕の中できあがった作品が何なのかという捉え方が変化しつつあって、その捉えたものはどういう風に提示されるべきなのかということにも関心がありました。それで「偽装」という言葉がキーになっています。
「絵画はどう生成されるのか」という先ほどの問いと関係してくるんですが、生成させるために作ったルールを使って、システム的なものを偽装していく。その中でできあがったものが、絵画と呼んでしまって良いのかという疑問があったので、1つの展示で「絵画」と「絵画的なもの」を同時に見ることができる状況に置いてみようと考えました。
それで、展示スペースの中に入り口をもう一つ作って、入って右側の壁を仮の正面と見立てて、そこに新たに構造を仮構することで、部屋の中に出入り自由の部屋をもうひとつ作ったわけです。これまではやったことがない試みで、まさに詰め将棋のような作業を延々として、ある特異なポイントを探して、そこにとどめたという展示です。空間を作品で埋めることに飽き飽きしていたことと、純粋にそれでだけでいいのかという疑問もあった。
今回、作品を提示するという機会に遭遇して、そこにどういうヴィジョンを見るかということにすごく葛藤しながら処理をしたという感じです。
(村山)
それはやっぱり経験の賜物なんじゃないの?
(彦坂)
それはそうだけど、同時に自分が問題設定したということを自分で忘れたくないというか、未処理のものをそのままに置いておくわけにはいかないので。
(村山)
僕は展示する分だけ作ったよ(笑)。展示をどうするかということは制作方法とも関わってくるんじゃないかな。
(彦坂)
村山君の方が潔いよね。僕はもっとねちっこい気がする(笑)。
(村山)
この作品を作り始めてから、潔いと言われる荒っぽさが生まれたかな。一段描いて、もしこの一段があまり良くなくても次がある(笑)。一枚の名画を作るんじゃなくて、僕が描き続けることを作れればいいから。

――では最後にお二人から、今回の展覧会にかける思いをお聞きしたいと思います。 (村山)
僕はこれまで東京でしか主だった展示をしたことがないので、京都や関西の皆さんにとにかく見てもらいたいです。あとは素朴に複雑系科学とか面白いなぁという思いがあって、展覧会やレクチャーを通して、それをみんなと共有したいと思っています。
ロンドンに行って感じたんですけど、日本人ってすごく絵が好きだなぁと。美術の前提が絵なんですよ。日本の場合、美大に入るときはまず絵ありきみたいなところがあって、入試には必ずデッサンがあるじゃないですか。油画科だったら、デッサンやって油絵やって絵画的身体を形成してから、それを入学後に必要に応じて壊していくみたいなことをやっている。ロンドンは全く違います。イギリスではそもそも、絵をやりたいヤツはがっちりやるけど、やらないヤツは全然やらない。
だから日本人のアーティストのほとんどが絵に親しんでいるのだとすれば、「絵画をどうするか?」ってもっと問われていいはずだと思います。それなのに、その問題は放ったらかしにされて、とにかく「絵画」をやる人が多い。それは変というか、もったいないんじゃないかなと。今の日本の現状では「絵画」を問うことはアートの中で大きなポテンシャルを持ちうると考えています。ですからこの展覧会を通して「絵画」の意識を耕したいなと思いました。「絵画」はもっといろんなジャンルと結びついて融解していけばいいと思います。僕たちの場合は新しい科学に興味があったので、そこと積極的につながってみることで、自分たちの絵画の様相も変わってきたし、これからも変わり得るはずです。二人で展覧会というフレームでやっているので、そういうことも考えていけたらなと思っています。
(彦坂)
個人的に言えば、告白したいというか(笑)。自分がある程度「絵画」を目指してやっていて、「絵画」という範囲の中にいるという意識が多少なりともあったんだけど。何の疑問も持たずに「絵画」と言ってしまうのではなく、一旦「絵画的なもの」に戻ってくることをしたかった。なので「実は、僕偽装していました」ということをすごく告白したい。
それが複雑系や自分たちが影響を受けたこと。自分のしている事にネガティブに働くとは全く思っていなくて、逆にポジティブに働くことになるんじゃないかなと思っています。

村山悟郎+彦坂敏昭インタビュー風景
村山悟郎+彦坂敏昭インタビュー風景
村山悟郎+彦坂敏昭インタビュー風景

展覧会ドラフト2011
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Category: Feature





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